<p><b>247 –</b> O Brasil relembra nesta sexta-feira (8) os três anos da morte de Rita Lee, uma das maiores artistas da história da música brasileira e figura central da contracultura nacional. Rita morreu em 8 de maio de 2023, aos 75 anos, em São Paulo, após enfrentar um câncer de pulmão diagnosticado em 2021.&nbsp;</p>
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<p>Dona de uma personalidade irreverente, de letras provocadoras e de uma trajetória marcada pela liberdade criativa, Rita Lee consolidou-se como um dos nomes mais influentes da cultura brasileira. Chamada por ela mesma de “ovelha negra”, em referência a uma de suas canções mais emblemáticas, Rita atravessou gerações rompendo padrões, enfrentando conservadorismos e reinventando a música popular brasileira.</p>
<p>Integrante original dos Mutantes, banda criada nos anos 1960 ao lado de Arnaldo Baptista e Sérgio Dias, Rita foi uma das protagonistas do movimento tropicalista. Misturando rock psicodélico, experimentalismo, guitarras distorcidas e referências da música brasileira, os Mutantes desafiaram convenções e ajudaram a transformar o cenário cultural do país durante a ditadura militar.</p>
<p>Ao longo da carreira solo, Rita Lee ampliou ainda mais seu impacto artístico e popular. Combinando humor, sensualidade, crítica social e uma estética libertária, ela construiu uma obra marcada por sucessos que se tornaram clássicos da música brasileira, como “Lança perfume”, “Mania de você”, “Doce vampiro”, “Agora só falta você”, “Baila comigo” e “Ovelha negra”.</p>
<p>Seu trabalho também ajudou a abrir espaço para mulheres no rock nacional, em um ambiente historicamente dominado por homens. Rita transformou-se em referência de independência feminina, irreverência e contestação social. Ao lado do músico Roberto de Carvalho, seu parceiro artístico e companheiro de vida, criou algumas das músicas mais populares da história recente da MPB.</p>
<p>Em sua autobiografia, lançada em 2016, Rita revisitou episódios de sua vida pessoal e profissional com a mesma sinceridade ácida que marcou suas entrevistas e canções. O livro tornou-se um fenômeno editorial e reforçou a conexão da artista com o público brasileiro.</p>
<p>Mesmo após sua retirada dos palcos, em 2012, Rita Lee permaneceu como uma presença constante na cultura nacional. Suas músicas seguiram influenciando artistas de diferentes gerações, enquanto sua postura libertária e anticonvencional continuou inspirando debates sobre comportamento, feminismo, liberdade de expressão e criatividade artística.</p>
<p>Quando sua morte foi anunciada, artistas, intelectuais, políticos e milhões de fãs prestaram homenagens à cantora. O presidente Lula lamentou a perda e destacou Rita como uma das maiores representantes da cultura brasileira. Nas redes sociais, multiplicaram-se mensagens lembrando não apenas a artista, mas também a mulher que transformou irreverência em linguagem política e estética.</p>
<p>Rita Lee deixou três filhos — Beto, João e Antônio —, além de um legado artístico considerado insubstituível. Seu velório, realizado no Planetário do Parque Ibirapuera, reuniu milhares de admiradores em uma despedida marcada por emoção, música e celebração de sua trajetória.</p>
<p>Três anos depois de sua partida, Rita segue viva na memória coletiva do país. Sua voz, suas letras e sua atitude continuam ecoando como símbolo de liberdade em uma sociedade frequentemente marcada pelo conservadorismo e pela intolerância. Mais do que cantora, Rita Lee tornou-se uma entidade cultural brasileira — uma artista que jamais aceitou caber em moldes e que fez da diferença sua maior força.</p>

Redação Brasil 247

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História

Três anos sem Rita Lee, a eterna “ovelha negra” da música brasileira

<p><b>247 </b>- Nome histórico da MPB e da televisão brasileira, Guto Graça Mello morreu nesta terça-feira (5), no Rio de Janeiro, aos 78 anos, após mais de um mês de internação no Hospital Barra D'Or, na Barra da Tijuca. Ao longo de cinco décadas de carreira, o produtor e diretor musical participou de mais de 500 discos, trabalhou com artistas como João Gilberto, Tom Jobim, Roberto Carlos, Maria Bethânia, Xuxa e Padre Marcelo Rossi, e deixou marca em trilhas de novelas e programas da TV Globo, incluindo a abertura do Fantástico. As informações foram publicadas no <a href="https://oglobo.globo.com/cultura/noticia/2026/05/05/guto-graca-mello-morre-no-rio-aos-78-anos.ghtml">jornal O Globo</a>. </p>
<p>Augusto César Graça Mello, conhecido nacionalmente como Guto Graça Mello, teve uma parada cardiorrespiratória, segundo familiares. Ele deixa a viúva, a atriz Silvia Massari, duas filhas e dois enteados. Filho dos atores Stella Graça Mello e Octávio Graça Mello, nasceu em 29 de abril de 1948 e construiu uma trajetória ligada à música popular brasileira, à indústria fonográfica e à teledramaturgia.</p>
<p>Guto iniciou sua relação com a composição ainda em 1960. Mais tarde, abandonou o curso de Arquitetura na Universidade Federal do Rio de Janeiro para seguir carreira na música. Ao lado de Mariozinho Rocha, escreveu canções gravadas por intérpretes como Elis Regina e Nara Leão. Antes de consolidar seu nome na televisão, viveu no exterior e integrou o grupo Vox Populi.</p>
<p>Sua entrada na Globo ocorreu em 1972, quando assumiu a produção musical do programa Viva Marília, comandado por Marília Pêra. No ano seguinte, assinou sua primeira trilha de novela, Cavalo de Aço, em parceria com Nelson Motta. A partir desse momento, passou a ocupar um papel central na construção sonora de algumas das produções mais conhecidas da emissora.</p>
<p>Na Som Livre, gravadora ligada à TV Globo, Guto Graça Mello participou das trilhas de novelas como Gabriela, Pecado Capital, Saramandaia e Estúpido Cupido. Em Gabriela, além de encomendar a abertura a Dorival Caymmi, incluiu Alegre Menina, música de Dori Caymmi baseada em poema de Jorge Amado. A canção se tornou um dos primeiros sucessos de Djavan.</p>
<p>A passagem por Pecado Capital, em 1975, tornou-se um dos episódios mais lembrados de sua carreira. Guto encomendou a Paulinho da Viola a música-tema da novela, que nasceu em poucas horas e eternizou o verso “dinheiro na mão é vendaval”. Em entrevista ao GLOBO em 2024, o produtor recordou o processo de criação.</p>
<p>“Liguei para o Paulinho e falei: ‘Olha, eu quero que você faça a abertura da novela’. E ele: ‘Que legal, pra quando?’ Eu: ‘Pra hoje!’ Ele se assustou, disse que demorava para compor, mas a gente sentou junto e eu contei para ele o final imaginado pela Janete Clair (que acabou sendo rodado, com o Carlão de Francisco Cuoco sendo alvejado por uma bala e o dinheiro voando de sua maleta). O Paulinho ficou olhando para mim e disse: ‘Dinheiro na mão é vendaval, né?’ Aí ele compôs tudo, melodia e letra, na minha frente, e depois foi para casa”, disse Guto.</p>
<p>A atuação de Graça Mello também atravessou momentos decisivos da Som Livre. Ele foi uma das vozes que defenderam, junto a João Araújo, então presidente da gravadora, a gravação de um disco do Barão Vermelho, banda liderada por Cazuza, filho do executivo. O produtor também recebeu a missão de transformar Xuxa em cantora no início da trajetória da apresentadora na Globo.</p>
<p>Em outra entrevista concedida em 2024, Guto relembrou a dificuldade inicial de montar o repertório da artista.</p>
<p>“Ela vinha da Manchete e a Globo fez um contrato que incluía, além do programa de TV, um disco. Mas quando veio a uma reunião na Som Livre com o namorado, o Pelé, ela disse: ‘Eu não canto absolutamente nada!’ O João Araújo me falou ‘se vira!’ e eu comecei a ficar desesperado, pedia músicas para os artistas e ninguém queria dar...”, afirmou.</p>
<p>A saída encontrada veio com Quem qué pão, composição infantil de Aretuza Garibaldi, então assessora de imprensa da gravadora. A música se tornou o primeiro sucesso de Xuxa, em 1986, e abriu caminho para uma das maiores carreiras fonográficas ligadas ao público infantil no Brasil.</p>
<p>Guto Graça Mello deixou os cargos de diretor musical da Globo e da Som Livre em 1989. A partir daí, seguiu ativo em outras frentes da criação musical. Além da televisão e dos discos, assinou trilhas para mais de 30 filmes, entre eles O beijo no asfalto, de 1981, O Cangaceiro Trapalhão, de 1983, Cazuza - O tempo não para, de 2004, e Se eu fosse você, de 2006.</p>
<p>Ao longo da carreira, Guto consolidou um papel raro na cultura brasileira: atuou como ponte entre compositores, intérpretes, novelas, cinema, televisão e mercado fonográfico. Sua trajetória ajudou a definir a sonoridade de diferentes gerações e deixou registros que seguem associados a momentos centrais da MPB e da dramaturgia nacional.</p>

Cultura

Nome histórico da MPB, Guto Graça Mello morre aos 78 anos

<p><b>247 – </b>Um dos maiores gênios da música popular brasileira, Noel Rosa morreu em 4 de maio de 1937, no Rio de Janeiro, aos 26 anos, vítima de tuberculose, encerrando de forma precoce uma trajetória que, ainda assim, foi suficiente para revolucionar o samba e influenciar gerações de compositores.</p> <p>Nascido em 11 de dezembro de 1910, em Vila Isabel, bairro da zona norte carioca que se tornaria símbolo de sua obra, Noel Rosa ajudou a redefinir o samba urbano, aproximando-o da linguagem cotidiana e da realidade das ruas. Em uma época em que o gênero ainda era fortemente associado às comunidades negras marginalizadas, Noel atuou como uma ponte entre diferentes universos sociais, contribuindo para consolidar o samba como expressão central da cultura brasileira.</p> <h2>Um cronista do cotidiano carioca</h2> <p>A genialidade de Noel Rosa estava na capacidade de transformar situações simples em poesia sofisticada, com humor, crítica social e lirismo. Suas composições retratavam o cotidiano do Rio de Janeiro com uma linguagem direta, coloquial e extremamente moderna para a época.</p> <p>Canções como <i>“Com que roupa?”</i>, que o projetou nacionalmente, e <i>“Conversa de botequim”</i> são exemplos de sua habilidade em capturar o espírito urbano com ironia e inteligência. Noel escrevia sobre boemia, amores, dificuldades financeiras e relações sociais com uma naturalidade que aproximava o público de sua obra.</p> <p>Além disso, sua produção musical foi marcada por parcerias importantes, como com Vadico e Ismael Silva, ampliando ainda mais o alcance de suas composições.</p> <h2>A revolução estética do samba</h2> <p>Noel Rosa desempenhou papel central na transformação do samba em um gênero mais estruturado e acessível às classes médias urbanas. Ele ajudou a romper preconceitos e contribuiu para que o samba deixasse de ser visto apenas como manifestação marginalizada, passando a ocupar espaço nas rádios e no mercado fonográfico.</p> <p>Sua obra também introduziu uma nova estética: letras mais elaboradas, com forte componente narrativo, e melodias que dialogavam com outras influências musicais, incluindo a música europeia. Esse processo foi decisivo para a consolidação da música popular brasileira como um campo artístico sofisticado e diverso.</p> <p>Outro aspecto marcante foi sua postura crítica. Noel não apenas cantava o cotidiano — ele o interpretava. Em muitas músicas, há críticas sutis às desigualdades sociais, à hipocrisia e às contradições da sociedade brasileira da época.</p>  <figure><img src="https://cdn.brasil247.com/pb-b247gcp/swp/jtjeq9/media/20260503170520_0aedbfbae2c59a2697dd8f47640640108fbc919cda294d2b58473cb20738e5a1.png" data-media-id="editor_0" data-image-id="20260503170520_0aedbfbae2c59a2697dd8f47640640108fbc919cda294d2b58473cb20738e5a1" data-rendition-name="original" width="1024" height="1536" loading="lazy" alt="Os clássicos de Noel"></figure>  <h2>Vida boêmia e doença</h2> <p>A trajetória de Noel Rosa foi intensamente marcada pela vida boêmia. Frequentador assíduo de bares e rodas de samba, ele viveu de forma intensa e, muitas vezes, desregrada. Esse estilo de vida contribuiu para o agravamento de sua saúde, já fragilizada pela tuberculose, doença comum e muitas vezes fatal na primeira metade do século XX.</p> <p>Nos últimos anos de vida, Noel enfrentou sucessivas crises de saúde, mas continuou compondo. Sua dedicação à música permaneceu inabalável até os momentos finais.</p> <p>A morte, em 4 de maio de 1937, causou grande comoção no meio artístico e marcou o fim de uma carreira meteórica. Mesmo com uma vida curta, Noel deixou mais de 250 composições, muitas das quais se tornaram clássicos permanentes da música brasileira.</p> <h2>Legado imortal na música brasileira</h2> <p>Quase nove décadas após sua morte, Noel Rosa segue sendo referência incontornável na história da MPB. Sua influência pode ser percebida em artistas de diferentes gerações, que herdaram sua capacidade de unir crítica social, lirismo e linguagem popular.</p> <p>Mais do que um compositor, Noel foi um cronista de seu tempo — alguém que traduziu o Brasil urbano em música, ajudando a construir uma identidade cultural que permanece viva até hoje.</p> <p>Sua obra continua sendo estudada, reinterpretada e celebrada, reafirmando seu lugar como um dos maiores nomes da cultura brasileira.</p> <h2>Confira um de seus clássicos na voz de Chico Buarque:</h2> <div class="embed-block"><iframe width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Ko56spC-44o?si=_UeXpPok_kfNs03i" title="YouTube video player" frameborder="0" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" referrerpolicy="strict-origin-when-cross-origin" allowfullscreen></iframe></div>

Noel Rosa, o gênio que revolucionou o samba e morreu cedo demais

<p><b>247 -</b> Lô Borges, um dos grandes nomes da música popular brasileira e referência do movimento Clube da Esquina, morreu nesta segunda-feira (3), aos 73 anos. O músico havia sido hospitalizado em 17 de outubro, após uma intoxicação medicamentosa em casa, e não resistiu às complicações. O cantor e compositor mineiro é reconhecido por sua trajetória que atravessou cinco décadas de produção musical e influência na MPB.</p>
<h2>Pioneiro do Clube da Esquina</h2>
<p>Ao lado de Milton Nascimento, Beto Guedes, Márcio Borges e outros artistas mineiros, Lô Borges foi peça central do Clube da Esquina, movimento que revolucionou a música brasileira nos anos 1970. Misturando harmonias sofisticadas, poesia e influências do rock internacional, o grupo criou uma sonoridade única e atemporal.</p>
<p>Lô Borges foi um dos principais compositores dos álbuns “Clube da Esquina” (1972) — eleito em 2022 o melhor disco brasileiro da história — e “Clube da Esquina 2” (1978). As obras seguem como referência para novas gerações de músicos e ouvintes.</p>
<h2>Da infância em Belo Horizonte ao sucesso nacional</h2>
<p>Nascido em Belo Horizonte em 1952, Salomão Borges Filho começou a tocar violão inspirado nos Beatles. Incentivado pelo amigo e parceiro Milton Nascimento, deu início à carreira profissional ainda jovem.</p>
<p>Com mais de 20 álbuns lançados, acumulou canções icônicas como “Trem Azul”, “Um Girassol da Cor do Seu Cabelo”, “Para Lennon e McCartney” e “Trem de Doido”, todas imortalizadas no repertório da MPB.</p>
<h2>Carreira solo e reconhecimento crítico</h2>
<p>Depois do sucesso com o Clube da Esquina, Lô lançou em 1972 o seu primeiro disco solo, conhecido como “Disco do Tênis”. O álbum consolidou sua identidade musical e abriu caminho para outros projetos marcantes, como “Via Láctea”, de onde saíram faixas como “Equatorial” e “Ventos de Maio”.</p>
<h2>Um legado imortal para a música brasileira</h2>
<p>Lô Borges dedicou-se inteiramente à arte. Nunca se casou nem teve filhos, mas conquistou o carinho dos fãs e o respeito dos maiores nomes da MPB.</p>
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Paulo Emilio

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Morre Lô Borges, gênio da MPB e do Clube da Esquina

<p><b>247 – </b>O cantor e compositor Lô Borges, um dos maiores nomes da música popular brasileira e figura central do lendário movimento Clube da Esquina, está internado em estado grave, porém estável, em um hospital de Belo Horizonte.&nbsp;</p>
<p>Segundo informou sua assessoria de imprensa, citada pela <i>Folha de S.Paulo</i>, o artista passou por uma traqueostomia no fim de semana e segue sob ventilação mecânica. Lô está internado na UTI há dez dias, após sofrer uma intoxicação por medicamentos, e ainda não há previsão de alta.</p>
<h2>Ícone de uma geração e alma do Clube da Esquina</h2>
<p>Nascido em Belo Horizonte em 1952, Lô Borges é considerado um dos grandes gênios da MPB. Ao lado de Milton Nascimento e Beto Guedes, foi um dos pilares do Clube da Esquina — movimento musical que revolucionou a sonoridade brasileira nos anos 1970, unindo rock, jazz, bossa nova e música regional mineira em uma fusão sofisticada e poética.</p>
<p>Seu disco <i>Clube da Esquina</i>, lançado em 1972 em parceria com Milton, é reconhecido como uma das obras-primas da música brasileira. O álbum trouxe clássicos como <i>O Trem Azul</i> e <i>Tudo Que Você Podia Ser</i>, canções que marcaram gerações e influenciaram artistas no Brasil e no exterior.</p>
<h2>Uma carreira de constante renovação</h2>
<p>Mesmo após o auge do movimento, Lô Borges manteve-se ativo e criativo ao longo das décadas. Nos últimos anos, lançou os discos <i>Chama Viva</i> e <i>Não Me Espere na Estação</i>, reafirmando seu talento e sensibilidade musical. Em entrevistas recentes, o cantor afirmou que tem produzido mais agora do que na juventude, demonstrando sua eterna inquietação artística.</p>
<p>Antes da internação, o músico estava em turnê com Beto Guedes, apresentando o espetáculo <i>Esquina &amp; Canções</i>, uma celebração da amizade e da parceria musical que ajudou a construir um dos capítulos mais belos da história da MPB.</p>
<p>Lô Borges segue como uma referência incontornável da música brasileira — um artista que transformou a sensibilidade mineira em arte universal e cuja obra continua a emocionar e inspirar novas gerações.</p>
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Lô Borges, gênio da MPB, está em estado grave após passar por traqueostomia

<p><b>247 - </b>O cantor e compositor Milton Nascimento, de 82 anos, foi diagnosticado com demência por corpos de Lewy. A confirmação foi feita por seu filho e empresário, Augusto Nascimento, à <a href="https://piaui.folha.uol.com.br/uma-viagem-de-motorhome-com-milton-nascimento/">Revista Piauí</a>.</p>
<p>Segundo a publicação, Augusto percebeu sinais de piora no quadro cognitivo do pai e decidiu levá-lo para uma viagem de motorhome pelos Estados Unidos em maio deste ano. “Quando vi que meu pai apresentava uma piora brusca no quadro cognitivo, perguntei ao médico se seria uma loucura fazer uma viagem de motorhome com ele pelos Estados Unidos”, relatou.</p>
<h2>Viagem de pai e filho pelos EUA</h2>
<p>Durante 16 dias, pai e filho percorreram cerca de 4 mil quilômetros por estados como Arizona, Utah, Idaho, Wyoming e Montana. Milton, sentado no banco do passageiro, ficou responsável pela trilha sonora da aventura. “Meu pai sempre viajou do meu lado, como copiloto”, disse Augusto, destacando que o cantor escolheu ouvir álbuns dos Beatles ao longo do percurso.</p>
<p>Após o retorno ao Brasil, Milton recebeu o diagnóstico da demência por corpos de Lewy, considerada a terceira forma mais comum da doença e que provoca degeneração e morte de células nervosas do cérebro.</p>
<h2>Histórico de saúde de Milton Nascimento</h2>
<p>O quadro de saúde do artista já havia sido tema de declarações anteriores. Em março deste ano, Augusto revelou ao Jornal Nacional, da TV Globo, que o pai foi diagnosticado com Parkinson há dois anos. Segundo ele, a doença degenerativa já trazia limitações significativas à rotina do cantor.</p>

Milton Nascimento é diagnosticado com demência

<p><b>247 - </b>O presidente Luiz Inácio Lula da Silva sancionou a Lei nº 15.204, que declara Lupicínio Rodrigues e Pixinguinha como patronos da Música Popular Brasileira. A decisão foi publicada nesta sexta-feira (12), no <i>Diário Oficial da União</i>, conforme noticiou a Agência Gov. A medida contou também com a assinatura das ministras Margareth Menezes, da Cultura, e Macaé Evaristo, de Direitos Humanos e Cidadania.</p>
<p>De acordo com a legislação, o título de patrono pode ser concedido a brasileiros já falecidos há pelo menos dez anos que tenham contribuído de forma excepcional para determinado campo de atuação. A lei simboliza um reconhecimento formal da importância dos dois artistas, cujas obras ajudaram a moldar a identidade musical do país.</p>
<h2><b>Lupicínio Rodrigues: a poesia da “dor-de-cotovelo”</b></h2>
<p>Nascido em Porto Alegre em 16 de setembro de 1914, Lupicínio Rodrigues se consagrou como o criador do estilo conhecido como “dor-de-cotovelo”, marcado por composições que retratam com lirismo as dores e desilusões amorosas. Sucessos como <i>Felicidade</i> e <i>Nervos de Aço</i> atravessaram gerações, interpretados por grandes nomes da MPB.</p>
<p>Seu talento precoce surgiu ainda na adolescência, quando compôs a primeira canção, <i>Carnaval</i>, aos 14 anos. O reconhecimento nacional veio com <i>Se acaso você chegasse</i>, eternizada por intérpretes consagrados. Fiel às experiências pessoais, Lupicínio transformava vivências em música. Torcedor apaixonado do Grêmio, compôs o hino do clube em 1953.</p>
<p>Além da carreira artística, abriu uma churrascaria em 1949, onde unia boemia e melodia. Deixou cerca de 150 canções e morreu em 1974, aos 59 anos, em decorrência de problemas cardíacos.</p>
<h2><b>Pixinguinha: o mestre do choro</b></h2>
<p>Alfredo da Rocha Vianna Filho, conhecido como Pixinguinha, nasceu no Rio de Janeiro em 4 de maio de 1897. Maestro, flautista, saxofonista, compositor e arranjador, tornou-se um dos maiores ícones da música nacional. É lembrado por consolidar o choro como gênero essencial da cultura brasileira e por sua influência na formação da música popular moderna.</p>
<p>Entre suas composições mais célebres estão <i>Carinhoso</i>, <i>Rosa</i> e <i>Lamentos</i>. O Dia Nacional do Choro, celebrado em 23 de abril, é dedicado à sua memória. Ainda jovem, formou o grupo <i>Os Oito Batutas</i>, que levou o choro a palcos internacionais. Trabalhou também como arranjador da gravadora RCA Victor e criou trilhas sonoras para o cinema, deixando um legado que se mantém vivo até hoje. Pixinguinha faleceu em 17 de fevereiro de 1974, mas permanece como referência para músicos de todas as gerações.</p>

Otávio Rosso

Lula sanciona lei que torna Lupicínio Rodrigues e Pixinguinha patronos da MPB

<p><b>Agência Brasil - Morreu na manhã desta segunda-feira (8), no Rio de Janeiro, a cantora e compositora Angela Ro Ro. </b>Hospitalizada desde junho, com quadro de infecção pulmonar, a artista não resistiu ao agravamento da doença.</p>
<p>Angela Ro Ro completaria 76 anos em dezembro. <b>Ela deixa mais de uma centena de gravações em 14 discos próprios, além de participações em coletâneas especiais.</b></p>
<p>A carreira de artista iniciou na primeira metade da década de 1970, quando morou na Inglaterra, chegando a cantar em pubs e a participar de uma faixa do LP <i>Transa</i>, de Caetano Veloso, tocando gaita. De volta ao Brasil, participou em 1974 do Festival de Rock de Saquarema (RJ), onde também se apresentou Rita Lee.</p>
<p><b>O primeiro disco solo foi lançado em 1979 </b>e fez sucesso com a canção <i>Amor, meu grande amor</i>, dela em parceria com Ana Terra. Teve o reconhecimento de público e de crítica nos discos dos anos seguintes com faixas que dão nome aos álbuns <i>Só nos resta viver</i> (1980), <i>Escândalo</i> (1981), <i>Simples carinho</i> (1982), com as quais se afirmou como autora e intérprete.</p>
<p><b>Angela Ro Ro tocava piano e era apreciada pela voz rouca, adequada para cantar blues</b> e canções como <i>Fogueira</i> (composição dela) e <i>Demais</i> (Tom Jobim e Aloysio de Oliveira).</p>
<p>Além do talento, Angela Ro Ro era conhecida pela ironia, humor e franqueza. Recusou intempestivamente gravar <i>Malandragem</i>, composta para ela por Roberto Frejat e Cazuza em 1988, por que não gostou da canção e não queria cantar “Quem sabe eu ainda sou uma garotinha”, como começa a letra da música que viria a fazer sucesso com Cássia Eller.</p>

Morre Angela Ro Ro, ícone da MPB, aos 75 anos no Rio de Janeiro

<p><b>247 - </b>Morreu na noite desta sexta-feira (15), em Salvador, aos 79 anos, o guitarrista e produtor musical Perinho Albuquerque, figura central na história da música popular brasileira. </p>
<p>A informação foi confirmada por seu filho, Paulo Emílio, à Folha de S.Paulo. Internado há cerca de um mês no Hospital Municipal da capital baiana, após sofrer um acidente vascular cerebral, o músico não resistiu a um infarto.</p>
<p>Albuquerque se consagrou especialmente na década de 1970, quando esteve intensamente ligado ao movimento tropicalista e à renovação estética da MPB. Trabalhou com nomes fundamentais como Gal Costa, Caetano Veloso, Luiz Melodia e Chico Buarque. Com Maria Bethânia, produziu o disco “Álibi” (1978), que se tornou um marco da indústria fonográfica nacional ao alcançar recorde de vendas para uma artista feminina no Brasil.</p>
<h3>Legado na música brasileira</h3>
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<p>A carreira de Perinho Albuquerque o consolidou como um dos produtores mais respeitados de sua geração. Sua habilidade em criar arranjos inovadores e captar a essência artística de cada intérprete foi decisiva para a sonoridade que marcou a música brasileira nos anos de ditadura militar. O sucesso de “Álibi” não apenas projetou Maria Bethânia a outro patamar, mas também serviu como referência de excelência de produção no país.</p>
<h3>Vida discreta nos últimos anos</h3>
<p>Embora tenha sido um nome reconhecido nos bastidores da música, Albuquerque escolheu se afastar dos holofotes nas últimas décadas. O próprio filho recorda essa escolha: “Ele gostou, nos últimos anos, de ficar na vidinha dele. Ele ficava em casa, gostava do mar, e não se expunha muito. Foi assim que quis viver o resto da vida dele”, disse Paulo Emílio por telefone.</p>
<h3>Família e despedida</h3>
<p>Perinho era irmão do baixista Moacyr Albuquerque, falecido há 25 anos. Deixa dois filhos — Paulo Emílio e Augusto —, a neta Sofia e a companheira Silvelane Ferreira. O velório está previsto para este domingo (17), mas os detalhes ainda não foram definidos pela família.</p>

Luis Mauro Filho

Capa do disco "Álibi" (1978), de Maria Bethânia 

Morre Perinho Albuquerque, produtor de “Álibi” e nome marcante da Tropicália, aos 79

<p><b>247 - </b>A cantora Preta Gil, que faleceu neste domingo (20), aos 50 anos, concedeu uma de suas últimas entrevistas à coluna de Mônica Bergamo, da Folha de S.Paulo, onde compartilhou reflexões profundas sobre sua batalha contra o câncer e os desafios pessoais vividos durante o tratamento. "Eu sempre aceitei, desde o dia um. Nunca me revoltei, nunca me deprimi, nunca", disse à coluna.</p>
<p>Na conversa, Preta mostrou-se serena e determinada, mesmo diante das adversidades. Em tratamento contra um câncer colorretal diagnosticado em janeiro de 2023, ela relatou o impacto de atravessar simultaneamente um processo de separação conjugal. “Não consigo mensurar em palavras a dor que eu senti”, afirmou, ao se referir ao rompimento com o ex-marido, Rodrigo Godoy. "Ainda não me curei dessa dor, não. É um processo", acrescentou.</p>
<p>A entrevista foi concedida em setembro de 2023, nos bastidores do show “Nós, a Gente”, em São Paulo, no qual Preta voltou aos palcos após uma cirurgia delicada. Na ocasião, ela dividiu o palco com o pai, Gilberto Gil, e outros membros da família. “O palco é o melhor lugar para eu comemorar a minha cura”, disse, emocionada.</p>
<p>Mesmo com limitações físicas — chegou a se apresentar sentada e precisou se ausentar brevemente durante a apresentação —, a artista demonstrou entusiasmo e agradeceu à equipe médica que a acompanhava. “Eles me viram literalmente por dentro e por fora. Tenho muita gratidão por todos eles.”</p>
<p>A cantora ressaltou que jamais se sentiu revoltada com a doença. “Entendi desde o início que isso tinha um propósito: de me tornar uma pessoa melhor, uma mãe melhor, uma avó melhor.” A força de sua fé e o apoio da família foram, segundo ela, elementos centrais para manter a serenidade. “Estou cercada de amor, de amigos, da minha família. Isso me ajuda a não cair.”</p>
<p>Apesar de admitir momentos de ansiedade e fragilidade emocional, Preta nunca perdeu a esperança. “Eu sabia que a minha cura viria com a cirurgia. Me preparei muito, tenho muita resiliência.”&nbsp;</p>
<p>Durante a entrevista, Preta também falou sobre a exposição pública da separação e o julgamento alheio. “As pessoas falam: ‘Mulher, supera!’. Mas são só cinco meses. E é fácil falar quando não se viveu isso na pele.”</p>
<p>Preta Gil encerrou a conversa com palavras que hoje ecoam como testamento de sua fé na vida e no amor. “Mesmo com toda a dor, eu vou renascer ainda mais forte, ainda mais feliz, emanando ainda mais amor para as pessoas. A minha missão na Terra é essa: dar alegria, dar amor.”&nbsp;</p>
<p>Com sua trajetória marcada pela música, pela resistência e pelo afeto, Preta Gil despede-se como símbolo de coragem, lucidez e humanidade.</p>

Preta Gil celebrou a vida com coragem e gratidão até o fim

<p><b>247 - </b>O cantor e compositor Chico Buarque, de 80 anos, foi submetido a uma cirurgia no crânio na manhã desta terça-feira (3). O procedimento, realizado no Hospital Copa Star, em Copacabana, teve como objetivo reduzir a pressão intracraniana e já estava previamente agendado. A informação foi divulgada inicialmente pelo colunista <a href="https://oglobo.globo.com/blogs/ancelmo-gois/post/2025/06/chico-buarque-e-operado-pelo-neurocirurgiao-paulo-niemeyer.ghtml">Ancelmo Gois</a>, de O Globo. </p>
<p>A operação, de acordo com o <a href="https://oglobo.globo.com/cultura/noticia/2025/06/03/chico-buarque-necessidade-de-cirurgia-foi-detectada-em-check-up-artista-jogou-bola-ate-as-vesperas.ghtml">jornal</a>, foi conduzida pelo neurocirurgião Paulo Niemeyer e durou cerca de uma hora. De acordo com a reportagem, o músico já retornou ao quarto, encontra-se lúcido, falando normalmente e com previsão de alta nos próximos dois ou três dias. Ao seu lado, permanece a companheira, a jurista Carol Proner. O artista também está sendo acompanhado pelo clínico geral Antonio José Carneiro.</p>
<p>A necessidade da intervenção cirúrgica foi identificada durante um check-up de rotina realizado recentemente, que apontou um acúmulo de líquido na cabeça. O diagnóstico precoce evitou complicações mais graves, já que, caso não tratado, o quadro poderia comprometer a fala e locomoção do artista.</p>
<p>No domingo (1), Chico protagonizou um momento marcante ao fazer uma participação especial no show “Tempo rei”, de Gilberto Gil, realizado na Marina da Glória, no Rio de Janeiro. Emocionado e visivelmente nervoso, ele subiu ao palco para cantar “Cálice” ao lado do amigo e chegou às lágrimas. Entrou e saiu com passos lentos, demonstrando certa dificuldade de locomoção.</p>
<p>Embora a apresentação tenha chamado atenção pelo estado físico do artista, o episódio pode estar relacionado não apenas ao problema diagnosticado recentemente, mas também a outros procedimentos pelos quais ele passou nos últimos anos. Em 2021, Chico foi operado da coluna para tratar uma estenose do canal vertebral e, em 2023, submeteu-se a uma artroscopia no joelho direito, devido ao desgaste da articulação.</p>
<p>Apesar das recentes intervenções médicas, o artista manteve sua rotina ativa. Na quinta-feira anterior à internação (29), Chico jogou sua tradicional pelada com o time Politheama. Ele completa 81 anos no próximo dia 19.</p>

Chico Buarque passa por cirurgia no crânio

<p><b>247 - </b>Em uma longa e comovente entrevista concedida a Hildegard Angel, na <i>TV 247</i>, a cantora, compositora e violonista Joyce Moreno, referência absoluta da música popular brasileira, expõe com clareza e serenidade os bastidores de uma trajetória artística marcada por resistência, coerência e discrição. Com mais de 400 músicas compostas, quatro indicações ao Grammy Latino e gravações com alguns dos maiores nomes da MPB — de Elis Regina a Milton Nascimento —, Joyce construiu uma carreira internacional sem jamais se dobrar às imposições da indústria.</p>
<p>“Eu fui boicotada pela indústria e ninguém nunca soube”, afirmou com firmeza. O episódio, segundo ela, ocorreu após se recusar a permitir que uma gravação sua fosse usada com a voz de outra cantora. “Era eu que estava tocando, eu que tinha feito o arranjo, o vocal de apoio. Só tiraram minha voz principal. Quando questionei, disseram: ‘a gente pode’. Pedi para retirarem a faixa do disco, e ele teve que sair do mercado.” O preço? Um boicote articulado por um produtor com os presidentes das principais gravadoras brasileiras. “A intenção era que eu nunca mais fosse contratada.”</p>
<p>Foi então que Joyce recebeu seu primeiro convite para se apresentar no Japão. Sem alarde, como tem sido toda sua trajetória, sua música ganhou o mundo. A cantora jamais fixou residência no exterior, mas passou a gravar por selos internacionais e fazer turnês constantes na Europa, Estados Unidos e Ásia. “Vocês não querem aqui? Tudo bem. A carreira foi pro exterior. E deu muito certo”, resume.</p>
<p>A conversa entre Joyce e Hildegard resgata memórias afetivas, como o teste para o musical <i>Noviça Rebelde</i>, no Teatro João Caetano, onde se conheceram. Com afeto e bom humor, Joyce narra os encontros com artistas como Caetano Veloso, Gal Costa, João Gilberto, Tom Jobim e Vinicius de Moraes — e a admiração por compositores como Pacífico Mascarenhas, que a lançou aos 15 anos. “Foi meu primeiro cachê, minha primeira experiência profissional. E ele também lançou o Milton.”</p>
<p>Joyce relembra ainda os desafios de ser uma mulher compositora nos anos 1960, escrevendo letras no feminino. “Na época, diziam que era indecente. Eu fui a maluca que fez isso. E por causa disso, apanhei muito.” Mesmo enfrentando o machismo do meio musical, nunca cedeu ao vitimismo. “Esperei o momento certo para falar.”</p>
<p>Ela também se debruça sobre o impacto da transformação digital na carreira dos músicos. “Construí minha casa com direitos autorais. Hoje, ninguém mais vai conseguir isso. Somos obrigados a voltar pra estrada com o violão nas costas. As plataformas de streaming nos exploram: são 20 mil audições para ganhar R$ 3.” Além disso, alerta para o uso da inteligência artificial na criação de músicas: “estão colocando faixas geradas por IA nas playlists dos artistas, sem aviso. É uma coisa horrorosa.”</p>
<p>Mesmo crítica ao presente, Joyce enxerga na arte ao vivo uma forma de resistência. “É a última forma de arte em que se pode acreditar. Não há mentira. Está acontecendo ali, na sua frente.” E conclui: “nós, músicos e atores, somos a resistência.”</p>
<p>Fiel à sua espiritualidade, Joyce conta que se reencontrou com a doutrina espírita aos 30 anos. “Quando comecei a ler Kardec, Emmanuel e André Luiz, parecia que já sabia tudo. Foi como voltar pra casa.” Formada em Jornalismo, ela chegou a estagiar no Jornal do Brasil, mas nunca exerceu a profissão. “A música me chamou e eu não olhei para trás.”</p>
<p>Hoje, aos 77 anos, segue ativa, produzindo, se apresentando e compondo. Mãe de quatro filhas e avó de sete netos, casada há 48 anos com o baterista Tutty Moreno, celebra uma vida construída com autenticidade. “Nunca tive a sensação de que o casamento seria pra sempre. Mas estamos juntos até hoje. Construímos a casa do zero.”</p>
<p>Entre risos, fala de sua nova música, <i>Velha Maluca</i>, feita para marcar seus 70 anos e ironizar o etarismo: “Se é assim, então eu quero ser a velha maluca. A velha maluca é sábia, é santa, é bruxa. Já viu coisas demais.” Para Joyce, assumir a idade é um ato de coragem e legitimidade. “Você só quer estar bem. Não quer ser o que não é.”</p>
<p>Sem jamais se curvar às pressões estéticas ou mercadológicas, Joyce segue sendo o que sempre foi: música em estado puro. “Eu sou o que eu sou. Quem quiser gostar, muito bem.” Assista:&nbsp;</p>
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