<p><b>247 -</b> Lô Borges, um dos grandes nomes da música popular brasileira e referência do movimento Clube da Esquina, morreu nesta segunda-feira (3), aos 73 anos. O músico havia sido hospitalizado em 17 de outubro, após uma intoxicação medicamentosa em casa, e não resistiu às complicações. O cantor e compositor mineiro é reconhecido por sua trajetória que atravessou cinco décadas de produção musical e influência na MPB.</p>
<h2>Pioneiro do Clube da Esquina</h2>
<p>Ao lado de Milton Nascimento, Beto Guedes, Márcio Borges e outros artistas mineiros, Lô Borges foi peça central do Clube da Esquina, movimento que revolucionou a música brasileira nos anos 1970. Misturando harmonias sofisticadas, poesia e influências do rock internacional, o grupo criou uma sonoridade única e atemporal.</p>
<p>Lô Borges foi um dos principais compositores dos álbuns “Clube da Esquina” (1972) — eleito em 2022 o melhor disco brasileiro da história — e “Clube da Esquina 2” (1978). As obras seguem como referência para novas gerações de músicos e ouvintes.</p>
<h2>Da infância em Belo Horizonte ao sucesso nacional</h2>
<p>Nascido em Belo Horizonte em 1952, Salomão Borges Filho começou a tocar violão inspirado nos Beatles. Incentivado pelo amigo e parceiro Milton Nascimento, deu início à carreira profissional ainda jovem.</p>
<p>Com mais de 20 álbuns lançados, acumulou canções icônicas como “Trem Azul”, “Um Girassol da Cor do Seu Cabelo”, “Para Lennon e McCartney” e “Trem de Doido”, todas imortalizadas no repertório da MPB.</p>
<h2>Carreira solo e reconhecimento crítico</h2>
<p>Depois do sucesso com o Clube da Esquina, Lô lançou em 1972 o seu primeiro disco solo, conhecido como “Disco do Tênis”. O álbum consolidou sua identidade musical e abriu caminho para outros projetos marcantes, como “Via Láctea”, de onde saíram faixas como “Equatorial” e “Ventos de Maio”.</p>
<h2>Um legado imortal para a música brasileira</h2>
<p>Lô Borges dedicou-se inteiramente à arte. Nunca se casou nem teve filhos, mas conquistou o carinho dos fãs e o respeito dos maiores nomes da MPB.</p>
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Paulo Emilio

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Cultura

Morre Lô Borges, gênio da MPB e do Clube da Esquina

<p><b>247 – </b>O cantor e compositor Lô Borges, um dos maiores nomes da música popular brasileira e figura central do lendário movimento Clube da Esquina, está internado em estado grave, porém estável, em um hospital de Belo Horizonte.&nbsp;</p>
<p>Segundo informou sua assessoria de imprensa, citada pela <i>Folha de S.Paulo</i>, o artista passou por uma traqueostomia no fim de semana e segue sob ventilação mecânica. Lô está internado na UTI há dez dias, após sofrer uma intoxicação por medicamentos, e ainda não há previsão de alta.</p>
<h2>Ícone de uma geração e alma do Clube da Esquina</h2>
<p>Nascido em Belo Horizonte em 1952, Lô Borges é considerado um dos grandes gênios da MPB. Ao lado de Milton Nascimento e Beto Guedes, foi um dos pilares do Clube da Esquina — movimento musical que revolucionou a sonoridade brasileira nos anos 1970, unindo rock, jazz, bossa nova e música regional mineira em uma fusão sofisticada e poética.</p>
<p>Seu disco <i>Clube da Esquina</i>, lançado em 1972 em parceria com Milton, é reconhecido como uma das obras-primas da música brasileira. O álbum trouxe clássicos como <i>O Trem Azul</i> e <i>Tudo Que Você Podia Ser</i>, canções que marcaram gerações e influenciaram artistas no Brasil e no exterior.</p>
<h2>Uma carreira de constante renovação</h2>
<p>Mesmo após o auge do movimento, Lô Borges manteve-se ativo e criativo ao longo das décadas. Nos últimos anos, lançou os discos <i>Chama Viva</i> e <i>Não Me Espere na Estação</i>, reafirmando seu talento e sensibilidade musical. Em entrevistas recentes, o cantor afirmou que tem produzido mais agora do que na juventude, demonstrando sua eterna inquietação artística.</p>
<p>Antes da internação, o músico estava em turnê com Beto Guedes, apresentando o espetáculo <i>Esquina &amp; Canções</i>, uma celebração da amizade e da parceria musical que ajudou a construir um dos capítulos mais belos da história da MPB.</p>
<p>Lô Borges segue como uma referência incontornável da música brasileira — um artista que transformou a sensibilidade mineira em arte universal e cuja obra continua a emocionar e inspirar novas gerações.</p>
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Redação Brasil 247

Lô Borges, gênio da MPB, está em estado grave após passar por traqueostomia

<p><b>247 - </b>O cantor e compositor Milton Nascimento, de 82 anos, foi diagnosticado com demência por corpos de Lewy. A confirmação foi feita por seu filho e empresário, Augusto Nascimento, à <a href="https://piaui.folha.uol.com.br/uma-viagem-de-motorhome-com-milton-nascimento/">Revista Piauí</a>.</p>
<p>Segundo a publicação, Augusto percebeu sinais de piora no quadro cognitivo do pai e decidiu levá-lo para uma viagem de motorhome pelos Estados Unidos em maio deste ano. “Quando vi que meu pai apresentava uma piora brusca no quadro cognitivo, perguntei ao médico se seria uma loucura fazer uma viagem de motorhome com ele pelos Estados Unidos”, relatou.</p>
<h2>Viagem de pai e filho pelos EUA</h2>
<p>Durante 16 dias, pai e filho percorreram cerca de 4 mil quilômetros por estados como Arizona, Utah, Idaho, Wyoming e Montana. Milton, sentado no banco do passageiro, ficou responsável pela trilha sonora da aventura. “Meu pai sempre viajou do meu lado, como copiloto”, disse Augusto, destacando que o cantor escolheu ouvir álbuns dos Beatles ao longo do percurso.</p>
<p>Após o retorno ao Brasil, Milton recebeu o diagnóstico da demência por corpos de Lewy, considerada a terceira forma mais comum da doença e que provoca degeneração e morte de células nervosas do cérebro.</p>
<h2>Histórico de saúde de Milton Nascimento</h2>
<p>O quadro de saúde do artista já havia sido tema de declarações anteriores. Em março deste ano, Augusto revelou ao Jornal Nacional, da TV Globo, que o pai foi diagnosticado com Parkinson há dois anos. Segundo ele, a doença degenerativa já trazia limitações significativas à rotina do cantor.</p>

Milton Nascimento é diagnosticado com demência

<p><b>247 - </b>O presidente Luiz Inácio Lula da Silva sancionou a Lei nº 15.204, que declara Lupicínio Rodrigues e Pixinguinha como patronos da Música Popular Brasileira. A decisão foi publicada nesta sexta-feira (12), no <i>Diário Oficial da União</i>, conforme noticiou a Agência Gov. A medida contou também com a assinatura das ministras Margareth Menezes, da Cultura, e Macaé Evaristo, de Direitos Humanos e Cidadania.</p>
<p>De acordo com a legislação, o título de patrono pode ser concedido a brasileiros já falecidos há pelo menos dez anos que tenham contribuído de forma excepcional para determinado campo de atuação. A lei simboliza um reconhecimento formal da importância dos dois artistas, cujas obras ajudaram a moldar a identidade musical do país.</p>
<h2><b>Lupicínio Rodrigues: a poesia da “dor-de-cotovelo”</b></h2>
<p>Nascido em Porto Alegre em 16 de setembro de 1914, Lupicínio Rodrigues se consagrou como o criador do estilo conhecido como “dor-de-cotovelo”, marcado por composições que retratam com lirismo as dores e desilusões amorosas. Sucessos como <i>Felicidade</i> e <i>Nervos de Aço</i> atravessaram gerações, interpretados por grandes nomes da MPB.</p>
<p>Seu talento precoce surgiu ainda na adolescência, quando compôs a primeira canção, <i>Carnaval</i>, aos 14 anos. O reconhecimento nacional veio com <i>Se acaso você chegasse</i>, eternizada por intérpretes consagrados. Fiel às experiências pessoais, Lupicínio transformava vivências em música. Torcedor apaixonado do Grêmio, compôs o hino do clube em 1953.</p>
<p>Além da carreira artística, abriu uma churrascaria em 1949, onde unia boemia e melodia. Deixou cerca de 150 canções e morreu em 1974, aos 59 anos, em decorrência de problemas cardíacos.</p>
<h2><b>Pixinguinha: o mestre do choro</b></h2>
<p>Alfredo da Rocha Vianna Filho, conhecido como Pixinguinha, nasceu no Rio de Janeiro em 4 de maio de 1897. Maestro, flautista, saxofonista, compositor e arranjador, tornou-se um dos maiores ícones da música nacional. É lembrado por consolidar o choro como gênero essencial da cultura brasileira e por sua influência na formação da música popular moderna.</p>
<p>Entre suas composições mais célebres estão <i>Carinhoso</i>, <i>Rosa</i> e <i>Lamentos</i>. O Dia Nacional do Choro, celebrado em 23 de abril, é dedicado à sua memória. Ainda jovem, formou o grupo <i>Os Oito Batutas</i>, que levou o choro a palcos internacionais. Trabalhou também como arranjador da gravadora RCA Victor e criou trilhas sonoras para o cinema, deixando um legado que se mantém vivo até hoje. Pixinguinha faleceu em 17 de fevereiro de 1974, mas permanece como referência para músicos de todas as gerações.</p>

Otávio Rosso

Lula sanciona lei que torna Lupicínio Rodrigues e Pixinguinha patronos da MPB

<p><b>Agência Brasil - Morreu na manhã desta segunda-feira (8), no Rio de Janeiro, a cantora e compositora Angela Ro Ro. </b>Hospitalizada desde junho, com quadro de infecção pulmonar, a artista não resistiu ao agravamento da doença.</p>
<p>Angela Ro Ro completaria 76 anos em dezembro. <b>Ela deixa mais de uma centena de gravações em 14 discos próprios, além de participações em coletâneas especiais.</b></p>
<p>A carreira de artista iniciou na primeira metade da década de 1970, quando morou na Inglaterra, chegando a cantar em pubs e a participar de uma faixa do LP <i>Transa</i>, de Caetano Veloso, tocando gaita. De volta ao Brasil, participou em 1974 do Festival de Rock de Saquarema (RJ), onde também se apresentou Rita Lee.</p>
<p><b>O primeiro disco solo foi lançado em 1979 </b>e fez sucesso com a canção <i>Amor, meu grande amor</i>, dela em parceria com Ana Terra. Teve o reconhecimento de público e de crítica nos discos dos anos seguintes com faixas que dão nome aos álbuns <i>Só nos resta viver</i> (1980), <i>Escândalo</i> (1981), <i>Simples carinho</i> (1982), com as quais se afirmou como autora e intérprete.</p>
<p><b>Angela Ro Ro tocava piano e era apreciada pela voz rouca, adequada para cantar blues</b> e canções como <i>Fogueira</i> (composição dela) e <i>Demais</i> (Tom Jobim e Aloysio de Oliveira).</p>
<p>Além do talento, Angela Ro Ro era conhecida pela ironia, humor e franqueza. Recusou intempestivamente gravar <i>Malandragem</i>, composta para ela por Roberto Frejat e Cazuza em 1988, por que não gostou da canção e não queria cantar “Quem sabe eu ainda sou uma garotinha”, como começa a letra da música que viria a fazer sucesso com Cássia Eller.</p>

Morre Angela Ro Ro, ícone da MPB, aos 75 anos no Rio de Janeiro

<p><b>247 - </b>Morreu na noite desta sexta-feira (15), em Salvador, aos 79 anos, o guitarrista e produtor musical Perinho Albuquerque, figura central na história da música popular brasileira. </p>
<p>A informação foi confirmada por seu filho, Paulo Emílio, à Folha de S.Paulo. Internado há cerca de um mês no Hospital Municipal da capital baiana, após sofrer um acidente vascular cerebral, o músico não resistiu a um infarto.</p>
<p>Albuquerque se consagrou especialmente na década de 1970, quando esteve intensamente ligado ao movimento tropicalista e à renovação estética da MPB. Trabalhou com nomes fundamentais como Gal Costa, Caetano Veloso, Luiz Melodia e Chico Buarque. Com Maria Bethânia, produziu o disco “Álibi” (1978), que se tornou um marco da indústria fonográfica nacional ao alcançar recorde de vendas para uma artista feminina no Brasil.</p>
<h3>Legado na música brasileira</h3>
<div class="embed-block"><iframe data-testid="embed-iframe" style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/4hjiHP3NIIzyYUgfs145zr?utm_source=generator" width="100%" height="352" frameborder="0" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy"></iframe></div>
<p>A carreira de Perinho Albuquerque o consolidou como um dos produtores mais respeitados de sua geração. Sua habilidade em criar arranjos inovadores e captar a essência artística de cada intérprete foi decisiva para a sonoridade que marcou a música brasileira nos anos de ditadura militar. O sucesso de “Álibi” não apenas projetou Maria Bethânia a outro patamar, mas também serviu como referência de excelência de produção no país.</p>
<h3>Vida discreta nos últimos anos</h3>
<p>Embora tenha sido um nome reconhecido nos bastidores da música, Albuquerque escolheu se afastar dos holofotes nas últimas décadas. O próprio filho recorda essa escolha: “Ele gostou, nos últimos anos, de ficar na vidinha dele. Ele ficava em casa, gostava do mar, e não se expunha muito. Foi assim que quis viver o resto da vida dele”, disse Paulo Emílio por telefone.</p>
<h3>Família e despedida</h3>
<p>Perinho era irmão do baixista Moacyr Albuquerque, falecido há 25 anos. Deixa dois filhos — Paulo Emílio e Augusto —, a neta Sofia e a companheira Silvelane Ferreira. O velório está previsto para este domingo (17), mas os detalhes ainda não foram definidos pela família.</p>

Luis Mauro Filho

Capa do disco "Álibi" (1978), de Maria Bethânia 

Morre Perinho Albuquerque, produtor de “Álibi” e nome marcante da Tropicália, aos 79

<p><b>247 - </b>A cantora Preta Gil, que faleceu neste domingo (20), aos 50 anos, concedeu uma de suas últimas entrevistas à coluna de Mônica Bergamo, da Folha de S.Paulo, onde compartilhou reflexões profundas sobre sua batalha contra o câncer e os desafios pessoais vividos durante o tratamento. "Eu sempre aceitei, desde o dia um. Nunca me revoltei, nunca me deprimi, nunca", disse à coluna.</p>
<p>Na conversa, Preta mostrou-se serena e determinada, mesmo diante das adversidades. Em tratamento contra um câncer colorretal diagnosticado em janeiro de 2023, ela relatou o impacto de atravessar simultaneamente um processo de separação conjugal. “Não consigo mensurar em palavras a dor que eu senti”, afirmou, ao se referir ao rompimento com o ex-marido, Rodrigo Godoy. "Ainda não me curei dessa dor, não. É um processo", acrescentou.</p>
<p>A entrevista foi concedida em setembro de 2023, nos bastidores do show “Nós, a Gente”, em São Paulo, no qual Preta voltou aos palcos após uma cirurgia delicada. Na ocasião, ela dividiu o palco com o pai, Gilberto Gil, e outros membros da família. “O palco é o melhor lugar para eu comemorar a minha cura”, disse, emocionada.</p>
<p>Mesmo com limitações físicas — chegou a se apresentar sentada e precisou se ausentar brevemente durante a apresentação —, a artista demonstrou entusiasmo e agradeceu à equipe médica que a acompanhava. “Eles me viram literalmente por dentro e por fora. Tenho muita gratidão por todos eles.”</p>
<p>A cantora ressaltou que jamais se sentiu revoltada com a doença. “Entendi desde o início que isso tinha um propósito: de me tornar uma pessoa melhor, uma mãe melhor, uma avó melhor.” A força de sua fé e o apoio da família foram, segundo ela, elementos centrais para manter a serenidade. “Estou cercada de amor, de amigos, da minha família. Isso me ajuda a não cair.”</p>
<p>Apesar de admitir momentos de ansiedade e fragilidade emocional, Preta nunca perdeu a esperança. “Eu sabia que a minha cura viria com a cirurgia. Me preparei muito, tenho muita resiliência.”&nbsp;</p>
<p>Durante a entrevista, Preta também falou sobre a exposição pública da separação e o julgamento alheio. “As pessoas falam: ‘Mulher, supera!’. Mas são só cinco meses. E é fácil falar quando não se viveu isso na pele.”</p>
<p>Preta Gil encerrou a conversa com palavras que hoje ecoam como testamento de sua fé na vida e no amor. “Mesmo com toda a dor, eu vou renascer ainda mais forte, ainda mais feliz, emanando ainda mais amor para as pessoas. A minha missão na Terra é essa: dar alegria, dar amor.”&nbsp;</p>
<p>Com sua trajetória marcada pela música, pela resistência e pelo afeto, Preta Gil despede-se como símbolo de coragem, lucidez e humanidade.</p>

Preta Gil celebrou a vida com coragem e gratidão até o fim

<p><b>247 - </b>O cantor e compositor Chico Buarque, de 80 anos, foi submetido a uma cirurgia no crânio na manhã desta terça-feira (3). O procedimento, realizado no Hospital Copa Star, em Copacabana, teve como objetivo reduzir a pressão intracraniana e já estava previamente agendado. A informação foi divulgada inicialmente pelo colunista <a href="https://oglobo.globo.com/blogs/ancelmo-gois/post/2025/06/chico-buarque-e-operado-pelo-neurocirurgiao-paulo-niemeyer.ghtml">Ancelmo Gois</a>, de O Globo. </p>
<p>A operação, de acordo com o <a href="https://oglobo.globo.com/cultura/noticia/2025/06/03/chico-buarque-necessidade-de-cirurgia-foi-detectada-em-check-up-artista-jogou-bola-ate-as-vesperas.ghtml">jornal</a>, foi conduzida pelo neurocirurgião Paulo Niemeyer e durou cerca de uma hora. De acordo com a reportagem, o músico já retornou ao quarto, encontra-se lúcido, falando normalmente e com previsão de alta nos próximos dois ou três dias. Ao seu lado, permanece a companheira, a jurista Carol Proner. O artista também está sendo acompanhado pelo clínico geral Antonio José Carneiro.</p>
<p>A necessidade da intervenção cirúrgica foi identificada durante um check-up de rotina realizado recentemente, que apontou um acúmulo de líquido na cabeça. O diagnóstico precoce evitou complicações mais graves, já que, caso não tratado, o quadro poderia comprometer a fala e locomoção do artista.</p>
<p>No domingo (1), Chico protagonizou um momento marcante ao fazer uma participação especial no show “Tempo rei”, de Gilberto Gil, realizado na Marina da Glória, no Rio de Janeiro. Emocionado e visivelmente nervoso, ele subiu ao palco para cantar “Cálice” ao lado do amigo e chegou às lágrimas. Entrou e saiu com passos lentos, demonstrando certa dificuldade de locomoção.</p>
<p>Embora a apresentação tenha chamado atenção pelo estado físico do artista, o episódio pode estar relacionado não apenas ao problema diagnosticado recentemente, mas também a outros procedimentos pelos quais ele passou nos últimos anos. Em 2021, Chico foi operado da coluna para tratar uma estenose do canal vertebral e, em 2023, submeteu-se a uma artroscopia no joelho direito, devido ao desgaste da articulação.</p>
<p>Apesar das recentes intervenções médicas, o artista manteve sua rotina ativa. Na quinta-feira anterior à internação (29), Chico jogou sua tradicional pelada com o time Politheama. Ele completa 81 anos no próximo dia 19.</p>

Chico Buarque passa por cirurgia no crânio

<p><b>247 - </b>Em uma longa e comovente entrevista concedida a Hildegard Angel, na <i>TV 247</i>, a cantora, compositora e violonista Joyce Moreno, referência absoluta da música popular brasileira, expõe com clareza e serenidade os bastidores de uma trajetória artística marcada por resistência, coerência e discrição. Com mais de 400 músicas compostas, quatro indicações ao Grammy Latino e gravações com alguns dos maiores nomes da MPB — de Elis Regina a Milton Nascimento —, Joyce construiu uma carreira internacional sem jamais se dobrar às imposições da indústria.</p>
<p>“Eu fui boicotada pela indústria e ninguém nunca soube”, afirmou com firmeza. O episódio, segundo ela, ocorreu após se recusar a permitir que uma gravação sua fosse usada com a voz de outra cantora. “Era eu que estava tocando, eu que tinha feito o arranjo, o vocal de apoio. Só tiraram minha voz principal. Quando questionei, disseram: ‘a gente pode’. Pedi para retirarem a faixa do disco, e ele teve que sair do mercado.” O preço? Um boicote articulado por um produtor com os presidentes das principais gravadoras brasileiras. “A intenção era que eu nunca mais fosse contratada.”</p>
<p>Foi então que Joyce recebeu seu primeiro convite para se apresentar no Japão. Sem alarde, como tem sido toda sua trajetória, sua música ganhou o mundo. A cantora jamais fixou residência no exterior, mas passou a gravar por selos internacionais e fazer turnês constantes na Europa, Estados Unidos e Ásia. “Vocês não querem aqui? Tudo bem. A carreira foi pro exterior. E deu muito certo”, resume.</p>
<p>A conversa entre Joyce e Hildegard resgata memórias afetivas, como o teste para o musical <i>Noviça Rebelde</i>, no Teatro João Caetano, onde se conheceram. Com afeto e bom humor, Joyce narra os encontros com artistas como Caetano Veloso, Gal Costa, João Gilberto, Tom Jobim e Vinicius de Moraes — e a admiração por compositores como Pacífico Mascarenhas, que a lançou aos 15 anos. “Foi meu primeiro cachê, minha primeira experiência profissional. E ele também lançou o Milton.”</p>
<p>Joyce relembra ainda os desafios de ser uma mulher compositora nos anos 1960, escrevendo letras no feminino. “Na época, diziam que era indecente. Eu fui a maluca que fez isso. E por causa disso, apanhei muito.” Mesmo enfrentando o machismo do meio musical, nunca cedeu ao vitimismo. “Esperei o momento certo para falar.”</p>
<p>Ela também se debruça sobre o impacto da transformação digital na carreira dos músicos. “Construí minha casa com direitos autorais. Hoje, ninguém mais vai conseguir isso. Somos obrigados a voltar pra estrada com o violão nas costas. As plataformas de streaming nos exploram: são 20 mil audições para ganhar R$ 3.” Além disso, alerta para o uso da inteligência artificial na criação de músicas: “estão colocando faixas geradas por IA nas playlists dos artistas, sem aviso. É uma coisa horrorosa.”</p>
<p>Mesmo crítica ao presente, Joyce enxerga na arte ao vivo uma forma de resistência. “É a última forma de arte em que se pode acreditar. Não há mentira. Está acontecendo ali, na sua frente.” E conclui: “nós, músicos e atores, somos a resistência.”</p>
<p>Fiel à sua espiritualidade, Joyce conta que se reencontrou com a doutrina espírita aos 30 anos. “Quando comecei a ler Kardec, Emmanuel e André Luiz, parecia que já sabia tudo. Foi como voltar pra casa.” Formada em Jornalismo, ela chegou a estagiar no Jornal do Brasil, mas nunca exerceu a profissão. “A música me chamou e eu não olhei para trás.”</p>
<p>Hoje, aos 77 anos, segue ativa, produzindo, se apresentando e compondo. Mãe de quatro filhas e avó de sete netos, casada há 48 anos com o baterista Tutty Moreno, celebra uma vida construída com autenticidade. “Nunca tive a sensação de que o casamento seria pra sempre. Mas estamos juntos até hoje. Construímos a casa do zero.”</p>
<p>Entre risos, fala de sua nova música, <i>Velha Maluca</i>, feita para marcar seus 70 anos e ironizar o etarismo: “Se é assim, então eu quero ser a velha maluca. A velha maluca é sábia, é santa, é bruxa. Já viu coisas demais.” Para Joyce, assumir a idade é um ato de coragem e legitimidade. “Você só quer estar bem. Não quer ser o que não é.”</p>
<p>Sem jamais se curvar às pressões estéticas ou mercadológicas, Joyce segue sendo o que sempre foi: música em estado puro. “Eu sou o que eu sou. Quem quiser gostar, muito bem.” Assista:&nbsp;</p>
<div class="embed-block"><div><div style="left: 0; width: 100%; height: 0; position: relative; padding-bottom: 56.25%;"><iframe src="//cdn.iframe.ly/api/iframe?url=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Flive%2F03n3Yv_Bjpk%3Fsi%3DBxrTANxpyAttr4jV&key=87ca3314a9fa775b5c3a7726100694b0" style="top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%; position: absolute; border: 0;" allowfullscreen scrolling="no" allow="accelerometer *; clipboard-write *; encrypted-media *; gyroscope *; picture-in-picture *; web-share *;"></iframe></div></div></div>
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Dafne Ashton

Entrevistas

“Eu fui boicotada pela indústria e ninguém nunca soube”, revela Joyce Moreno

<p><b>247 –</b> A música brasileira é um dos maiores patrimônios culturais do país, reconhecida internacionalmente por sua riqueza e diversidade. Do samba ao forró, do choro ao funk, do sertanejo ao rap, o Brasil se destaca pela pluralidade de gêneros e talentos espalhados por todas as regiões. Buscando fortalecer essa identidade e associar sua marca a um dos principais símbolos do país, o BTG Pactual acaba de fechar um acordo de naming rights com o Prêmio da Música Brasileira, que agora passa a se chamar Prêmio BTG Pactual da Música Brasileira. A parceria terá duração de cinco anos e, segundo informações <a href="https://valor.globo.com/empresas/noticia/2025/02/06/premio-da-musica-brasileira-fecha-acordo-com-btg-pactual.ghtml">publicadas pelo Valor Econômico</a>, o investimento do banco será direcionado para a descoberta e valorização de novos talentos.</p>
<p>A edição de 2025 já está marcada para o dia 4 de junho, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Criado em 1987 como Prêmio Sharp, o evento é um dos mais longevos e prestigiados do país, tendo premiado mais de 1.500 artistas em suas 31 edições. Neste ano, a procura para participar foi recorde: 15 mil músicos se inscreveram, um crescimento significativo em relação aos 12 mil do ano anterior. A lista de indicados será divulgada em 9 de abril, durante um evento em São Paulo.</p>
<p><b>A música como identidade cultural do Brasil</b></p>
<p>Para o fundador do prêmio, José Maurício Machline, a transformação do setor musical nas últimas décadas trouxe desafios e oportunidades. Se por um lado a tecnologia facilitou a produção, por outro tornou a visibilidade um desafio ainda maior.</p>
<p>“Antigamente, produzir música custava muito dinheiro; hoje basta ter uma sala com computador para gravar. Isso democratizou o processo”, avalia Machline.</p>
<p>Mas, segundo ele, a facilidade de produção não garante espaço para os novos artistas.</p>
<p>“Hoje é necessário comprar espaço nos streamings para participar de playlists. Ter seguidores nas redes sociais também é importante para impulsionar a música”, explica.</p>
<p>Nesse contexto, a curadoria do prêmio ganha ainda mais relevância, pois garante visibilidade a talentos de diferentes estilos e regiões.</p>
<p>“A busca contempla músicos de diversos ritmos e sotaques, que transmitem toda a pluralidade e a riqueza brasileiras”, reforça Machline.</p>
<p>Esse mosaico cultural fez com que a música brasileira se tornasse um dos produtos culturais mais exportados do país, influenciando artistas internacionais e conquistando público no mundo todo. De Tom Jobim a Anitta, de Luiz Gonzaga a Emicida, de Elza Soares a Marisa Monte, a MPB e seus desdobramentos seguem como uma das maiores expressões da identidade nacional.</p>
<p><b>Novas categorias e homenagem a Chitãozinho &amp; Xororó</b></p>
<p>O prêmio de 2025 terá mudanças importantes. O funk, gênero que se consolidou como uma das principais expressões da juventude brasileira, ganhará categoria própria. Além disso, haverá a fusão do rap e do trap, gêneros que vêm crescendo exponencialmente no cenário nacional.</p>
<p>Outra novidade será a homenagem a Chitãozinho &amp; Xororó, dupla que revolucionou o sertanejo e abriu caminho para o gênero se tornar um dos mais ouvidos no Brasil. Ícones da MPB como Tom Jobim, João Bosco, Lulu Santos, Ary Barroso, Gal Costa, Jackson do Pandeiro, Rita Lee, Milton Nascimento, Elis Regina, Gilberto Gil, Luiz Gonzaga e Vinícius de Moraes já foram homenageados em edições anteriores.</p>
<p><b>BTG aposta na música como pilar estratégico</b></p>
<p>A entrada do BTG Pactual na premiação não é um movimento isolado. O banco pretende criar uma divisão de negócios musicais, oferecendo suporte estratégico para artistas e explorando novas oportunidades no setor.</p>
<p>“Consideramos a música um patrimônio e queremos ser reconhecidos como o banco da música brasileira”, afirma André Kliousoff, diretor de marketing do BTG Pactual.</p>
<p>“Ainda estamos estudando a melhor forma de fazer isso, mas a ideia é ajudá-los a ter visão de negócios”, acrescenta.</p>
<p>Essa estratégia faz parte de um movimento maior do banco, que nos últimos anos tem expandido sua atuação para além dos serviços financeiros, apostando também em educação, empreendedorismo, turismo e gastronomia.</p>
<p><b>Setor de eventos musicais segue em crescimento</b></p>
<p>Após um forte crescimento impulsionado pelo fim das restrições da pandemia, o setor de eventos ao vivo continua aquecido. Segundo projeções da PwC, a receita de festivais e shows no Brasil deve ter crescido 4,8% em 2024, atingindo US$ 174 milhões. Esse avanço é superior à média global, estimada em 4,2%, com receita de US$ 41,4 bilhões.</p>
<p>Os patrocínios desempenham um papel fundamental nesse crescimento. Em 2024, as marcas representaram 19,5% da receita do setor, um leve aumento em relação aos 19,3% de 2023 e 19,05% de 2022.</p>
<p>No ano passado, o Prêmio da Música Brasileira contou com patrocínios de iFood, Prio, ArcelorMittal e da Prefeitura do Rio de Janeiro. Para 2025, os novos patrocinadores ainda não foram anunciados. A chegada do BTG Pactual fortalece ainda mais a premiação, garantindo recursos para ampliar sua relevância e contribuir para a valorização da música brasileira como patrimônio nacional e internacional.</p>

BTG assume prêmio da música brasileira e busca associar sua marca à MPB, um dos maiores patrimônios nacionais

<p><b>247 –</b> Nesta terça-feira, 4 de fevereiro, o Brasil celebra os 66 anos de um dos maiores ícones da música popular brasileira: Zeca Pagodinho. Nascido em 4 de fevereiro de 1959, no bairro de Irajá, no Rio de Janeiro, Jessé Gomes da Silva Filho, mais conhecido como Zeca Pagodinho, é um nome que transcende gerações, estilos e fronteiras. Sua carreira, marcada por sucessos que viraram hinos do samba e do pagode, é um testemunho da genialidade de um artista que conseguiu unir tradição e modernidade, simplicidade e sofisticação, humor e profundidade.</p>
<p>Zeca Pagodinho cresceu em um ambiente onde o samba era mais do que música: era um estilo de vida. Influenciado por nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho e Paulinho da Viola, Zeca começou a se destacar nos rodas de samba da Zona Norte carioca ainda na adolescência. Sua voz rouca e seu jeito despojado logo chamaram a atenção, e ele foi conquistando espaço no cenário musical.</p>
<p>Nos anos 1980, Zeca se tornou uma figura central no movimento do pagode, que revitalizou o samba tradicional, trazendo novos ares e conquistando um público mais jovem. Sua estreia em disco solo aconteceu em 1986, com o álbum <i>"Zeca Pagodinho"</i>, que já trazia clássicos como "Camarão que Dorme a Onda Leva". Desde então, sua carreira só cresceu, com mais de 20 álbuns lançados e milhões de cópias vendidas.</p>
<h3><b>A genialidade de Zeca Pagodinho</b></h3>
<p>O que faz de Zeca Pagodinho um gênio? A resposta está na sua capacidade de transformar o cotidiano em poesia. Suas letras falam de amor, desilusão, amizade, festa e, claro, da vida simples do brasileiro. Zeca não precisa de grandes elaborações para emocionar ou fazer rir. Sua música é direta, sincera e cheia de identidade.</p>
<p>Canções como "Deixa a Vida Me Levar", "Samba pras Moças", "Verdade" e "Alvorada" são exemplos de como ele consegue capturar a essência do samba, mantendo-se fiel às raízes enquanto inova com arranjos e letras que dialogam com o presente. Zeca é um mestre em equilibrar tradição e modernidade, sem nunca perder a autenticidade.</p>
<p>Além disso, sua voz é um instrumento único. Rouca, carregada de emoção e personalidade, ela carrega consigo a história do samba e a vivência de quem conhece a vida de perto. Zeca não canta apenas com a voz, mas com a alma.</p>
<h3><b>O humor e a simplicidade como marcas registradas</b></h3>
<p>Outro aspecto que define Zeca Pagodinho é o seu humor. Ele é conhecido por suas tiradas espirituosas e por não levar a vida demasiadamente a sério. Essa leveza se reflete em suas músicas e em sua persona pública. Zeca é o cara que pode estar em um palco enorme, para milhares de pessoas, e ainda assim parecer estar em uma roda de samba no quintal de casa, tomando uma cerveja com os amigos.</p>
<p>Sua simplicidade é, paradoxalmente, uma de suas maiores sofisticações. Zeca nunca se deixou levar pelo estrelato. Ele continua sendo o mesmo Jessé de Irajá, que ama o samba, a cerveja gelada e um bom churrasco. Essa autenticidade é o que o torna tão querido pelo público e tão respeitado pelos colegas de profissão.</p>
<h3><b>Um legado que inspira</b></h3>
<p>Aos 66 anos, Zeca Pagodinho não mostra sinais de desaceleração. Ele continua gravando, se apresentando e levando o samba para todos os cantos do Brasil e do mundo. Sua influência é imensa, inspirando novas gerações de sambistas e pagodeiros.</p>
<p>Zeca também é um defensor ferrenho da cultura brasileira. Em um momento em que a música popular enfrenta desafios para se manter relevante, ele segue como um farol, mostrando que o samba é atemporal e universal.</p>
<h3><b>Celebrando Zeca</b></h3>
<p>Neste 4 de fevereiro, celebramos não apenas o aniversário de Zeca Pagodinho, mas a sua contribuição inestimável para a música e a cultura do Brasil. Ele é mais do que um artista; é um patrimônio nacional, um símbolo de resistência e alegria.</p>
<p>Que Zeca continue nos presenteando com seu samba, seu humor e sua sabedoria por muitos anos. Como ele mesmo diz em uma de suas canções mais famosas: "Deixa a vida me levar, vida leva eu". E que a vida o leve sempre aonde o samba e o coração do povo estiverem.</p>
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Zeca Pagodinho: 66 anos de genialidade, simplicidade e samba

<p><b>247 –</b> Neste domingo, 26 de janeiro, celebramos os 61 anos de Francisco César Gonçalves, mais conhecido como Chico César, um dos nomes mais inventivos e multifacetados da música brasileira. Cantor, compositor, escritor e jornalista, Chico César é um artista que desafia rótulos e convenções, criando uma obra singular que mistura ritmos regionais, poesia afiada e uma visão de mundo profundamente humanista.</p>
<p>Nascido em 1964, na pequena cidade de Catolé do Rocha, no sertão da Paraíba, Chico César cresceu em um ambiente marcado pela cultura popular nordestina. Desde cedo, ele foi influenciado pelo repente, pelo coco, pelo baião e pelas histórias contadas pelos griôs locais. Essa base cultural, somada à sua formação acadêmica em Jornalismo e sua vivência em São Paulo, onde se mudou na década de 1980, moldou um artista único, capaz de dialogar com o regional e o universal.</p>
<p><b>A Música como Expressão de Liberdade</b></p>
<p>Chico César emergiu no cenário musical brasileiro nos anos 1990, trazendo uma sonoridade fresca e uma abordagem lírica que misturava humor, crítica social e uma profunda sensibilidade poética. Seu álbum de estreia, <i>"Aos Vivos"</i> (1995), já anunciava sua originalidade, com canções como "Mama África" e "À Primeira Vista", que se tornaram hinos de resistência e celebração da diversidade cultural.</p>
<p>Sua música é uma fusão de ritmos brasileiros, como o forró e o maracatu, com influências do reggae, do funk e até da música africana. Essa mistura, longe de ser aleatória, reflete sua visão de mundo: uma defesa intransigente da pluralidade e da liberdade criativa. Chico César não se prende a fórmulas; ele as reinventa.</p>
<h3><b>Poesia e Política: A Arte Engajada de Chico César</b></h3>
<p>Além de sua genialidade musical, Chico César é conhecido por suas letras afiadas e engajadas. Canções como "Respeitem Meus Cabelos, Brancos" e "Demarcação Já" abordam temas como o racismo, a luta dos povos indígenas e a valorização da cultura negra. Sua música é, ao mesmo tempo, um espelho e um farol: reflete as dores e as alegrias do povo brasileiro, mas também aponta caminhos para a transformação social.</p>
<p>Chico César também é um defensor ferrenho da cultura popular e das tradições nordestinas. Em suas apresentações, ele costuma dizer que "o sertão é o mundo", uma frase que sintetiza sua crença na universalidade das raízes locais.</p>
<h3><b>Além da Música: Um Artista Multidisciplinar</b></h3>
<p>A criatividade de Chico César não se limita à música. Ele é também escritor, com livros publicados que exploram temas como identidade, cultura e política. Além disso, sua atuação como gestor cultural, à frente da Fundação Espaço Cultural da Paraíba (FUNESC), demonstra seu compromisso com a democratização do acesso à arte e à cultura.</p>
<p>Ao completar 61 anos, Chico César cultiva um legado que inspira novas gerações de artistas. Sua música, marcada pela originalidade e pela coragem de experimentar, influenciou nomes como Liniker, Elza Soares e Criolo, que veem nele um exemplo de autenticidade e engajamento.</p>
<p>Chico César também é um símbolo de resistência em um cenário cultural muitas vezes dominado por padrões comerciais. Ele prova que é possível fazer arte de qualidade, com profundidade e relevância, sem abrir mão de suas raízes e de suas convicções. Confira uma de suas obras-primas:</p>
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